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Livre de poche Art
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Naissance de l'art romantique
En France, qui dit romantisme dit Delacroix, Victor Hugo, le spleen, le goût de la ruine, l'attirance de la nuit, pour la mort. Autant d'images toutes faites, et de clichés. Mais alors qu'est ce que le romantisme ? et tente de montrer que le romantique se construit sur la subversion de l'image néo-classique.
En se concentrant sur l'Allemagne - Caspar David Friedrich, Goethe... - et l'Angleterre - William Blake, John Consatble... -, les deux pays où s'inventent conjointement une nouvelle pratique et une nouvelle théorie de l'art, Pierre Wat en propose une définition opérante.
Le romantisme est un art nouveau pour un monde nouveau. Un art qui détruit la norme classique, et un art sans norme mais éternellement classique. Un art absolu.
C'est à l'histoire esthétique de cette naissance et de son ambition qu'est consacré Naissance de l'art romantique - Peinture et théorie de l'imitation.
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Le tableau dans le tableau
Le tableau dans le tableau réunit deux des plus importants textes d'André Chastel publiés dans le célèbre Fables, Formes, Figures.
Le tableau dans le tableau et La figure dans l'encadrement de la porte chez Vélasquez s'interrogent sur la présence de ce cadre qui délimite aussi bien l'existence d'une oeuvre, que la présence d'un être, à travers l'histoire de l'art.
André Chastel nous invite à une véritable enquête, qui s'ouvre au XVe siècle et se termine au XXe siècle avec Braque.
Pourquoi les artistes jouent-ils avec cet élément ? Qu'elle est sa fonction ?
Rembrandt, Vermeer, Vélazquez ou Magritte ont intégré ce cadre dans leurs compositions et ont révolutionné la peinture.
A partir de ce « motif », André Chastel nous livre une analyse passionnante et une nouvelle manière de regarder la peinture.
Le livre est composé de 27 illustrations, dont un cahier couleur, qui permettent de mieux apprécier les oeuvres analysées.
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Du masque au visage
Au point de départ le masque. Mais qu'estce au juste un masque pour les anciens grecs ? Pour nommer le masque la langue grecque utilise le mot prosopo, qui est, aussi et surtout, le nom du visage.
Helléniste, ancienne sous-directrice au Collège de France, Françoise Frontisi-Ducroux affirme que « ce qui vaut pour le visage de chair vaut aussi pour le masque artificiel ».
Masque scénique, rituel ou cultuel (figurant une divinité), les pensées et les émotions s'y lisent à fleur de peau. C'est avec le masque que se façonne la personnalité du citoyen, en tête à tête avec des doubles de lui-même, ou avec des figures de l'autre.
Du masque au visage - Aspect de l'identité en Grèce ancienne est un essai incontournable enfin réédité.
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La survivance des dieux antiques
Depuis le déclin du paganisme au VIe siècle après J.-C. jusqu'au XVIIe siècle, les dieux grecs ont connu diverses formes de survie dans l'art comme dans la pensée. Cet ouvrage montre comment cela s'est produit : changement dans l'apparence, la signification demeurant plus ou moins la même, ou, inversement, nouveaux contenus donnés à une apparence inchangée.
La thèse de Jean Seznec est que la Renaissance, plus que d'avoir fait revivre des formes oubliées, a, sur ce plan du moins, réalisé la synthèse de formes et de significations qui n'avaient jamais disparu. La survivance des dieux antiques est un des grands classiques de l'histoire des faits de civilisation.
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L'origine de la perspective
Avec L'Origine de la perspective, Hubert Damisch n'a pas pour projet d'écrire une histoire de la perspective, mais plutôt, pour reprendre le titre de Machiavel, une suite d' " histoires perspectives ". Des histoires, dans leur variété, leur multiplicité, leur différence, qui auront trait précisément à la prétention qui fut alors celle de la peinture, à une manière nouvelle de vérité. Du dispositif de Brunelleschi aux Ménines de Velázquez, l'histoire de la perspective, constituée au Quattrocento, se révèle plurielle, à l'opposé d'un récit linéaire et évolutionniste.
Hubert Damish livre un essai passionnant, dans lequel la géométrie rencontre le théâtre et où la psychanalyse en appelle à la peinture, pour définir cette essentielle ligne d'horizon.
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Rome, 1630
Rome, 1630. Dans la ville pontificale d'Urbain VIII, un jeune sculpteur, Gian Lorenzo Bernin, assure au style baroque, qu'il invente, son plus prestigieux monument, le Baldaquin du maitre autel de la Basilique Saint-Pierre, qui voit s'élever sous la coupole de Michel-Ange, quatre gigantesques colonnes torses en bronze. 1630 à Rome, c'est aussi l'année où Poussin décide de ne travailler que pour soi et livre une seconde interprétation de son Inspiration du poète, miraculeuse fusion d'une forme restée sensible et d'une révolution de pensée.
Et ce sont également les mois où le caravagisme s'achève, avec Valentin ; où Velázquez, de passage à Rome, peint des vues de jardin qui auraient plu à Corot. Comment l'art baroque a-t-il su trouver en une année une forme aussi efficace, immédiate et concrète ? Avec Rome, 1630, Yves Bonnefoy s'arrête sur ce moment de l'histoire et analyse ces mois exceptionnels, qui vont bouleverser l'histoire de l'art.
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Le géant, la licorne et la tulipe ; les cabinets de curiosités en France au XVII siècle
Cette passionnante étude présente un panorama de la curiosité encyclopédique qui fonde la plupart des cabinets du XVIIe siècle. Les cabinets de curiosités sont un résumé du monde au moyen de ce qu'il offre de plus bizarre et de plus exotique. La prodigieuse hétérogénéité des collections - Crocodiles du Nil côtoyant les petites médailles d'or ou d'argent de l'antiquité, tulipes et hyacinthes discutant avec une tête de monstre et un canoë indien - n'est qu'une forme achevée d'un trait essentiel de la curiosité européenne du siècle des Lumières : son ouverture à l'ensemble des phénomènes visibles du monde, créés par Dieu ou par l'homme.
Antoine Schnapper, en étudiant le cas français, passe en revue les acteurs variés de cette Comédie de la curiosité et montre combien de vieilles légendes restent néanmoins vivaces, ce qui expliquent l'attachement de ces collections pour des objets aussi étrange que la corne de licorne, la rose de Jéricho ou les dents de géants. Le Géant, la licorne et la tulipe est un livre essentiel sur l'étude des cabinets de curiosités en France, qui complète Curieux du Grand Siècle (Champs), ouvrage fondamental sur les collectionneurs au XVIIe siècle.
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Pourquoi l'art préhistorique ?
Les hommes des Temps glaciaires ont pénétré dans les grottes profondes pour y dessiner et s'y livrer à de mystérieuses cérémonies, dont parois et sols portent à l'occasion les traces.
Ils ont aussi orné les parois de certains abris où ils habitaient de leurs gravures, peintures et sculptures représentant le plus souvent des animaux. Parfois, ce furent sur des roches isolées dans la nature ou au bord de rivières que des gravures se sont exceptionnellement conservées. Tenter d'approcher les raisons qui guidèrent ces gens peut paraître une gageure. Nombre de spécialistes esquivent la question du "Pourquoi ?", lui préférant le "Quoi ?" (description et étude des thèmes représentés, que l'on veut aussi complètes et "objectives" que possible), le "Quand ?" (problèmes de datation et de chronologie) et le "Comment" (étude minutieuse des techniques utilisées).
Jean Clottes s'est attaqué à cette question. Après une longue carrière de chercheur essentiellement consacrée à des fouilles archéologiques, surtout en grottes et en abris, qui éclairent les modes de vie des Paléolithiques, il s'est intéressé à leurs croyances et à leurs conceptions du monde, telles qu'elles devaient s'exprimer dans les grottes ornées, bien mieux sans doute que ce que l'on pouvait en saisir dans les outillages et les restes de leurs activités journalières révélés par les fouilles.
Ses fouilles sur tous les continents l'ont conduit à une réflexion comparative : les aborigènes australiens ou Indiens des Amériques par exemple, ont préservé un état d'esprit, une attitude vis-à-vis de la nature et du monde qui remonte à la nuit des temps. Au cours de ces déplacements, Jean Clottes a rencontré David Lewis-Williams, préhistorien sud-africain qui étudie depuis longtemps l'art, la religion et les coutumes des Boschimans du sud de l'Afrique.
Il eut l'idée que l'art des Paléolithiques, comme celui des artistes San, avait pu être réalisé dans le cadre d'une religion de type chamanique. Une collaboration naquit. C'est, de toutes les hypothèses que Jean Clottes recense dans cet ouvrage pour le grand public, celle qui lui paraît la plus féconde, car elle explique le plus de faits.
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Linvention de la figure
Ce livre conclut une série d'études sur les systèmes d'écriture et leurs liens avec les images. Ils sont issus du postulat selon lequel « l'écriture est née de l'image et (.) son efficacité ne procède que d'elle » (L'Image écrite).
C'est le support de l'image - et la « pensée de l'écran » qu'il induit - qui avait semblé déterminant dans l'invention de l'écriture. Mais quel statut réserver dès lors à ses figures?
L'hypothèse avancée ici est que la notion même de « figure » est due à l'invention de l'alphabet, dans la mesure où la « lettre » a introduit pour la première fois dans la pensée théorique le concept d'« élément », et avec lui celui d'«unité visuelle distinctive ».
Cette hypothèse éclaire sous un jour nouveau la genèse des écritures figuratives. Elle montre aussi que la nature d'une écriture donnée suscite, chez ceux qui la pratiquent, une expertise particulière du regard, qui ne manque pas d'influer sur leur conception de l'image.
Le phénomène a été observé en Chine, où l'intuition du regard-lecteur a conduit à la calligraphie puis au "paysage lettré".
Une enquête devait être menée dans la civilisation de l'alphabet. C'est ainsi que l'on tentera d'identifier les « figures de l'alphabet », et de montrer comment la typographie latine a créé une véritable « langue écrite ».
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D'Alice à Frankenstein ; lumière de l'image 2
Du portrait d'Alice et Lorina Liddel par Lewis Carroll aux photographies de tournage de La Fiancée de Frankenstein de James Whale, en passant par la Jeune fille au miroir de Titien, la Mort de Germanicus de Nicolas Poussin, la Madeline impénitente de Georges de La Tour, la Statue équestre de Louis XIV du Bernin jusqu'au Bocal d'olives de Chardin et au portrait de Mr and Mrs Andrews de Thomas Gainsborough
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Ruines ; représentations dans l'art de la Renaissance à nos jours
Témoins de l'Histoire, les ruines conjuguent savoir et imaginaire.
Leur pouvoir d'évocation n'a cessé de fasciner artistes et écrivains, même si leur regard s'est modifié au cours des siècles. Depuis la Renaissance jusqu'à l'époque contemporaine, chaque époque a projeté sur les ruines sa vision du temps, de la grandeur et de la décadence, de la nature et de la destinée humaine. Puisant dans tous les domaines de la création occidentale (peinture, littérature, architecture, art des jardins, etc.), Le Livre des ruines décrypte les significations symboliques, philosophiques et culturelles de leurs représentations artistiques, sans oublier le débat théorique sur leur conservation et leur restauration.
Figure du fragment et allégorie de la temporalité, la ruine est aussi un objet conceptuel ; Le Livre des ruines montre sa place singulière dans la sensibilité européenne. Une série d'oeuvres analysées en détail permet de suivre l'évolution d'un thème iconographique aux implications multiples. Par l'importance de son iconographie (gravures, peintures, photographies) et la richesse de ses références (littéraires, philosophiques, artistiques), Le Livre des ruines s'adresse à un lectorat cultivé mais non spécialisé.
Il propose une synthèse inédite sur un sujet qui n'a jusqu'à présent jamais fait l'objet d'une étude globale.
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L'iconoclasme bizantin
André Grabar, qui fut professeur au Collège de France, propose dans cet ouvrage une interprétation de l'iconoclasme byzantin (728-843) en étudiant directement les oeuvres d'art (ainsi que les médailles et les sceaux) autour desquelles se déroula le conflit connu sous le nom de « querelle des images ». Le livre comprend trois parties :
Un essai sur le problème de l'image religieuse, païenne et chrétienne avant le commencement des persécutions des icones par les empereurs byzantin (726) ; une partie centrale qui envisage le sort de l'image sacrée pendant les persécutions (726-843) et une troisième partie qui traite des arts religieux byzantin après la fin des persécutions (843).
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Les grotesques ; les figures de l'immaginaire dans la peinture italienne de la fin de la Renaissance
Longtemps considérés comme fantaisies d'artiste et oeuvres de second rang, les grotesques ont suscité un regain d'intérêt à partir des années 1960.
Depuis le XVIIe siècle, le mot « grotesque » a une connotation essentiellement négative, évoquant l'idée de bizarrerie, de ridicule ou d'extravagance.
Mais il fut d'abord employé dès le début du siècle précédent pour désigner des peintures murales largement inspirées des fresques et des reliefs antiques, auxquels s'ajoutaient parfois des réminiscences des marginalia gothiques.
Ce genre décoratif connut un immense succès tout au long du XVIe siècle, d'abord en Italie, puis un peu partout en Europe, et s'étendit à la sculpture, à la gravure et à bien d'autres techniques.
Partant de motifs et de schémas essentiellement antiquisants, le langage des grotesques s'est progressivement détaché de cette référence figurative en s'inspirant de diverses matrices culturelles contemporaines. C'est donc par l'analyse de ces voisinages déterminants et de ces relations constitutives que cet ouvrage entend rendre compte du fonctionnement multiple de ce langage apparemment incohérent et de ses multiples références culturelles.
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Le jugement de Pâris
Le jugement de Pâris - ce premier « jugement de goût » - s'inscrit au départ d'une suite d'événements tragiques dont on veut qu'il corresponde à l'entrée de l'humanité européenne dans l'histoire. La fable a fonctionné, au regard de la tradition, comme une figure exemplaire du malaise que Freud déclare inhérent à la civilisation : la culture occidentale n'a-telle pas récusé comme une faute, sinon comme une version païenne du péché originel, le choix de Pâris en faveur de Vénus, et d'une forme de beauté directement liée à la sexualité, là où Minerve et Junon, personnifiaient au contraire la force, la sagesse et la souveraineté ?L'art européen n'a pas cessé de travailler sur la donnée qui lui fournissait le mythe, tout en frayant de nouvelles voies qui recoupaient celles de la littérature et de la philosophie. Du « chef-d'oeuvre » de Raphaël (Le Jugement de Pâris, gravé par Marcantonio Raimondi) au Déjeuner sur l'herbe de Manet, revu par Picasso, et de Cranach à Rubens et à Watteau, une histoire se noue qui tourne tout entière autour de la question de la beauté dans son rapport au règne du désir et à la pulsion scopique.
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crits sur les peintres
Sont rassemblés ici divers écrits que Robert Desnos a consacrés aux peintres, de 1922 à 1944.
A travers ces textes de fantaisie plus que de théorie se marquent des choix qui évoluent avec le temps. C'est d'abord le surréalisme dans les années 20, avec des variations sur la signature de Marcel Duchamp, un éloge de la vie inventive de Picabia, une traversée du surréel devenu réel par la grâce de Max Ernst, Man Ray et quelques autres. Les textes des années 30 sont essentiellement centrés sur des peintres que notre époque redécouvre : Per Krohg, Tihanyi, Papazoff.
Enfin, à partir de 1940, les oeuvres de Labisse et de Picasso deviennent les références essentielles pour Desnos. Desnos fut aussi dessinateur et peintre à ses heures : les divers dessins qui ornent ce recueil en témoignent.
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Paris new york et retour
Ce livre est le journal d'une flânerie à la fois érudite et caustique entre civilisation américaine et histoire européenne. La perte d'aura subie par les oeuvres d'art, repérée par Walter Benjamin bien avant les ressources de la numérisation, arrive aujourd'hui à son terme, constate Marc Fumaroli. Plus rien ne distingue en effet l'art dit "contemporain" du flux d'images dont nous bombardent les revues, les affiches et les écrans qui rythment notre consommation.
L'art contemporain n'est plus alors qu'un cocktail de marketing et d'"entertainment" dont le saint patron serait le grand entrepreneur de spectacles américain : Phineas Taylor Barnum. S'il y a danger à s'aligner sur les valeurs cotées à New York, Londres ou Shanghaï, c'est parce que le marché, devenu le seul prescripteur de légitimité, ignore le soubassement social et intellectuel dont se nourrissait l'art et que Marc Fumaroli nomme en reprenant un terme latin : otium. L'otium, c'est une forme de loisir voué aux choses de l'esprit, la mise entre parenthèses du negotium (le commerce) au profit de la vie contemplative. C'est cet arrière-plan social et culturel qui fait défaut aux pourvoyeurs de l'art contemporain. Et c'est sur cette valeur fondamentale que s'appuie l'auteur pour penser aujourd'hui les ressorts de l'admiration.
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Dada et les dadaïsmes
Le pluriel n'est pas ici une afféterie de style.
Car Tristan Tzara, le fondateur de Dada à Zurich en 1916, n'est pas tout, n'est pas seul. La subversion poétique généralisée qu'il initie s'attaque résolument à toutes les disciplines de l'art institutionnalisé, refusant les compartimentages de l'ordre culturel établi. Les dadaïsmes, c'est l'offensive lancée en Suisse, en France, en Allemagne, dans les pays anglo-saxons et jusqu'au Japon même, sur tous les fronts pour repenser à neuf la poésie, le dessin, la peinture, la sculpture, l'architecture, la typographie, le collage, l'assemblage, la photographie, la cinématographie, le théâtre, la musique.
Les dadaïsmes excèdent les années 1915-1923 auxquelles trop souvent on réduit Dada : du créationnisme à Fluxus en passant par le Nouveau Réalisme, la Beat Generation et les situationnistes, ils ont essaimé jusqu' à nos jours dans les revendications de certains des plus grands artistes contemporains, comme le montre cet ouvrage de référence à nouveau disponible en une édition revue et augmentée.
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Le peintre, le poete, le sauvage (champs)
Refus des élégances et des traditions académiques, découvertes et fréquentations d'oeuvres issues de cultures considérées comme " barbares " ou " archaïques " par l'Occident, le primitivisme est l'une des données centrales de l'histoire des avant-gardes artistiques à partir de la fin du XIXe siècle.
Le dessein de cet ouvrage est de proposer une histoire non seulement artistique, mais encore culturelle du phénomène, de prendre toute la mesure de cette nostalgie d'une création vierge du pastiche et des règles machinalement appliquées. Peinture et sculpture y tiennent un rôle central, mais poésie, littérature, critique et travaux savants y ont aussi leur part. La préhistoire, les miniatures médiévales, les primitifs italiens, l'Egypte, Byzance : les références sont nombreuses et hétérogènes dès l'époque de Gauguin, qui est aussi celle de Huysmans et des Nabis.
Avec Matisse, Derain, Picasso et Braque interviennent les " fétiches " africains ou océaniens dont on a fait l'origine trop exclusive du fauvisme et du cubisme, oubliant que leur révélation s'inscrit dans un processus largement antérieur, épisode après d'autres, dans la recherche du renouvellement des formes et de leur exaltation.
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Chine la grande statuaire (ne champs)
La matière de ce livre est la pierre chinoise considérée dans ses formes statuaires ; c'est l'expression originale de la Chine dans le solide et le volumineux.
Cette matière, la plus pesante, et encombrante, la plus visible, par une anomalie dont il est peu d'exemples dans l'histoire des arts, se trouve avoir été jusqu'ici la moins vue, tenir la moindre place dans les répertoires déjà copieux des arts - impondérables ou plastiques - du grand pays dont j'ai fait mon objet.
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Les mondes de l'art (édition 2010)
Howard S Becker analyse la production de toute oeuvre d'art comme une action collective.
L'artiste est au centre d'une chaîne de coopération liant tous ceux qui, à des titres divers, concourent à l'existence de l'oeuvre. Il se réfère à des créateurs du passé ou de son temps ; il mobilise des fabricants de matériels, des collaborateurs, des intermédiaires diffusant l'oeuvre, des critiques, des théoriciens, des fonctionnaires pour soutenir ou censurer l'activité créatrice, des publics. Tous agissent sur la base de conventions communes qui s'incarnent dans des savoirs, des techniques, des habitudes de travail et des catégories de perception.
L'oeuvre apparaît ainsi dans le mouvement de sa genèse matérielle et cognitive : elle est empreinte des multiples décisions et interprétations qui font du " monde de l'art " tout entier son " auteur ".
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Le dossier caravage : psychologie des attributions et psychologie de l'art
Pourquoi les milieux académiques européens qui dominaient la critique d'art au XIXe siècle jusque vers 1880 nourrissaient-ils tant d'incompréhension à l'égard de la peinture caravagesque, pourquoi ne comprenaient-ils pas l'unité et la puissance expressive de cette peinture? La réponse à ces questions nous est donnée au cours d'une véritable enquête menée par André Berne-Joffroy.
Telle l'instruction d'une affaire, l'auteur examine chaque nouvelle pièce versée au dossier afin de reconstituer l'oeuvre de Caravage avec une extrême sagacité. Par sa précision, Le dossier Caravage a fortement marqué plusieurs générations d'historiens de l'art, notamment italiens. L'ouvrage d'André Berne Joffroy, publié en 1959 par les éditions de Minuit puis en 1999 chez Flammarion dans la collection "Idées et Recherche", a fait l'objet d'une nouvelle mise à jour pour sa publication dans la collection "Champs arts".
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Histoire des couleurs
Les couleurs ne sont pas la réalité des corps, elles ne sont pas la vie, ni exactement une loi de la Nature ; elles sont le reflet d'une abstraction de la Nature, l'artifice dans le naturel, c'est-à-dire des figures...
En fait, le domaine de la couleur recouvre une aire partagée entre l'art et la science, entre le physique et la psychologie, un terrain qui mesure les limites des deux cultures, pour brouiller la clarté de leurs idées, un terrain d'approche facile mais que n'atteignent jamais les méthodes analytiques et expérimentales.
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La carrière des peintres au xix siècle
Le monde de la peinture française connaît au XIXe siècle un ensemble de transformations essentielles: l'organisation académique de la formation et de la carrière des peintres décime; le système marchand s'établit et contribue au succès de la révolution impressionniste; les innovations esthétiques et techniques dans la peinture modifient l'apprentissage et l'exercice du métier de peintre. Harrison et Cynthia White décrivent la genèse de cette évolution à travers l'étude des institutions et de la doctrine composant le " système académique ". Ils la situent dans son cadre géographique (la centralisation parisienne), puis étudient les effets de la poussée démographique, qui accentue le décalage entre le nombre grandissant de peintres cherchant à faire carrière et l'étroitesse des débouchés du système académique. Analysant la carrière de plusieurs grands impressionnistes (Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir), les auteurs montrent comment émerge un nouveau système, fondé sur l'importance croissante des marchands et des critiques professionnels, qui fait du marché de l'art, tel que nous le connaissons depuis, le cadre dominant d'évaluation et de commercialisation des mouvements sociaux.
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L'image écrite ou la déraison graphique
L'écriture ne reproduit pas la parole, elle la rend visible. Elle est née de la combinaison du langage, qui structure le groupe et régit ses échanges internes, avec l'image, qui permet au groupe d'accéder au monde invisible où sa parole n'a pas cours. Dans une telle combinaison, le médium déterminant n'a pas été le langage mais l'image, et le support de l'image a joué un rôle beaucoup plus essentiel que ses figures. La pensée de l'écran a précédé celle de la mythographie. Aussi l'idéogramme possède-t-il l'étrange originalité d'être un signe que l'on interroge. L'univers de l'écriture est profondément déraisonnable. Notre civilisation de l'alphabet s'est efforcée - et s'efforce encore - de l'ignorer. Le Coup de Dés de Mallarmé, en tentant " d'élever enfin une page à la puissance du ciel étoilé ", nous a révélé cependant que l'écriture occidentale ne s'était pas vraiment coupée de ses origines iconiques. Ainsi devait s'amorcer un retour aux idéogrammes, dont la seconde partie de ce livre analyse certains aspects, tant littéraires que graphiques, dans la France des XIXe et XXe siècles.
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Le livre d'images
Fixées sur une toile ou sculptées dans la pierre, photographiées et désormais scannées, numérisées , jamais les images n'ont, depuis les origines, failli à leur vocation de transformer l'instant en éternité. Mais l'histoire qu'elles recèlent demeure souvent cryptée et comme illisible. A l'instar du baiser du prince réveillant quelque Belle au bois dormant, seul un regard peut alors réanimer ce qui a été ainsi endormi.
Redonner vie au monde des images, tisser des liens entre oeuvres prestigieuses et réalisations d'artistes moins connus, révéler, ce faisant, l'itinéraire de certaines traditions iconographiques, solliciter autrement le regard, apprendre à lire ce que l'on voit autant de pistes ouvertes par cet ouvrage ambitieux. Exemplaire, généreuse, éminemment féconde, l'approche d'Alberto Manguel, sous le double signe du savoir et du plaisir, invite tout lecteur-spectateur à reprendre possession de l'univers même de la représentation, et peut-être à composer, à son tour, son propre livre d'images
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La nuit sexuelle
L'auteur poursuit la réflexion qu'il avait initiée avec«Le sexe et l'effroi». En s'appuyant sur des sources iconographiques variées : Bosch, Dürer, Monsu Desiderio, Raphaël, Titien, Rembrandt, Rubens..., il pose la question des origines de l'être.
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Les perspectives dépravées t.3 ; la quête d'Isis
Etude sur le mythe de la quête d'Isis et ses ramifications posthumes dans les fables de l'Europe, des Indes, de la Chine et du Mexique.
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L'artiste, l'institution et le marché
Décrit la situation de l'art contemporain en France, ses institutions culturelles, l'action de l'Etat dans le secteur des arts plastiques, et démonte les mécanismes économiques et sociaux de construction de la valeur de l'art.
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Fra Angelico ; dissemblance et figuration
Une analyse d'un détail de la Sainte-conversation peinte par l'artiste pour le couvent San Marco à Florence qui permet de reconsidérer les conceptions de figure et de ressemblance dans l'art italien de la fin du Moyen Age et de la Renaissance.
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écrits sur l'art 1934-1969
Écrits sur l'art Lettres à ses amis peintres - Barnett Newman, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb -, récits de voyage en Europe, notamment à Paestum où Rothko affirme qu'il a « toujours peint des temples grecs sans le savoir », descriptions d'étés en famille dans les campus américains où il donne cours, cahiers de notes dans lesquels Rothko parle de l'importance du surréalisme, de Picasso ou de Miró, confessions amères sur le règne des marchands et des critiques d'art, manifestes et réponses à des conservateurs et à des critiques, ces Écrits sur l'art rassemblent les textes de Mark Rothko depuis ses débuts, en 1934, jusqu'en 1969, un an avant son suicide. Confiés à des musées américains ou conservés par ses enfants, ces écrits étaient jusqu'alors inédits. Ils nous révèlent l'ambition de l'un des plus grands peintres du XXe siècle : « Les tableaux doivent être miraculeux : à l'instant où l'un est achevé, l'intimité entre la création et le créateur est finie. Ce dernier est un étranger. Le tableau doit être pour lui, comme pour quiconque en fait l'expérience plus tard, la résolution inattendue et sans précédent d'un besoin éternellement familier. »
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